Wassily Kandinsky

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Wassily Kandinsky
Vassily-Kandinsky.jpeg
Wassily Kandinsky, c. 1913 o antes
Nombre de nacimiento Wassily Kandinsky Wassilyevich
Nacido 16 de diciembre [ OS 04 de diciembre] 1866
Moscú
Murió 13 de diciembre 1944 (13/12/1944) (77 años)
Neuilly-sur-Seine
Nacionalidad Ruso
Campo Pintura
Capacitación Academia de Bellas Artes de Munich
Movimiento Expresionismo , arte abstracto
Obras En Blanco II, Der Blaue Reiter

Wassily Wassilyevich Kandinsky / k æ n d ɪ n s k i / ( ruso : Василий Васильевич Кандинский, Vasiliy Vasil'yevich Kandinskiy, Pronunciación rusa: [vas ʲ il ʲ ɪj kɐnd ʲ insk ʲ ɪj] , 16 de diciembre [ OS 04 de diciembre] 1866 - 13 de Diciembre 1944) fue un influyente ruso pintor y el arte teórico . Le acreditan con la pintura de las primeras puramente abstractas obras. Nacido en Moscú , Kandinsky pasó su niñez en Odessa . Se matriculó en la Universidad de Moscú , el estudio de la ley y la economía . El éxito en su profesión-le ofrecieron una cátedra (silla de la ley romana ) en la Universidad de Dorpat -él comenzó a pintar estudios (vida-dibujo, el dibujo y anatomía) a la edad de 30.

En 1896 Kandinsky se estableció en Munich , estudiando primero en Anton Ažbe escuela privada 's y luego en la Academia de Bellas Artes . Regresó a Moscú en 1914, tras el estallido de la Primera Guerra Mundial . Kandinsky era indiferente a las teorías oficiales en el arte en Moscú comunista, y regresó a Alemania en 1921. Allí, él enseñó en la Bauhaus, la escuela de arte y la arquitectura a partir de 1922 hasta que el nazis cerraron en 1933. Luego se trasladó a Francia , donde vivió el resto de su vida, convirtiéndose en un ciudadano francés en 1939 y la producción de algunos de su arte más prominente. Él murió en Neuilly-sur-Seine en 1944.

Contenido

Períodos artísticos [ edit ]

Creación de trabajo puramente abstracto de Kandinsky siguió un largo período de desarrollo y maduración del pensamiento intenso basado en sus experiencias artísticas. Él llamó a esta devoción a la belleza interior , el fervor de espíritu, y deseo espiritual necesidad interior, era un aspecto central de su arte.

Juventud y la inspiración (1866-1896) [ editar ]

Pintura abstracta de colores con edificios y una iglesia en el fondo
A principios del período de trabajo, Munich-Schwabing, con la Iglesia de Santa Úrsula (1908)

Kandinsky nació en Moscú, hijo de Lidia Ticheeva y Vasily Kandinsky Silvestrovich, un comerciante de té. [1] [2] Kandinsky aprendido de una variedad de fuentes, mientras que en Moscú. Más tarde en la vida, recuerda la fascinación y estimulado por el color como un niño. Su fascinación por el simbolismo de los colores y la psicología continuó a medida que crecía. En 1889, formó parte de un grupo de investigación etnográfica que viajó a Vologda región norte de Moscú. En Espera en el pasado, relata que las casas e iglesias fueron decoradas con colores tan brillantes que al entrar en ellos, sentía que se estaba moviendo en una pintura. Esta experiencia, y su estudio de arte popular de la región (en particular, el uso de colores brillantes sobre un fondo oscuro), se reflejó en la mayor parte de sus primeras obras. Unos años más tarde, primero comparó pintura a componer música de la manera por la cual se convertiría en señalar, escribiendo, "El color es el teclado, los ojos son los martillos, el alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que obras de teatro, tocar una tecla o otra, para causar vibraciones en el alma ". [3]

En 1896, a la edad de 30, Kandinsky abandonó una prometedora carrera de la enseñanza del derecho y la economía para inscribirse en la escuela de arte de Munich. No se le concedió de inmediato la admisión, y comenzó a aprender el arte por sí mismo. Ese mismo año, antes de salir de Moscú, que vio una exposición de pinturas de Monet . Estaba particularmente tomadas con el estilo impresionista de Pajares , lo que, para él, tenía un poderoso sentido del color casi independiente de los objetos mismos. Más tarde, escribiría sobre esta experiencia:

" Que era un pajar en el catálogo me informó. Yo no podía reconocerlo. Esta falta de reconocimiento fue doloroso para mí. He considerado que el pintor no tenía ningún derecho a pintar indistintamente. Me sentí debidamente que el objeto de la pintura había desaparecido. Y me di cuenta con sorpresa y confusión que la imagen no sólo se apoderó de mí, pero sí impresionó indeleblemente en mi memoria. Pintura adquirió un poder de cuento de hadas y el esplendor. [4] "
- Wassily Kandinsky

Kandinsky fue influenciado de manera similar durante este período por Richard Wagner 's Lohengrin , que se sentía, empuja los límites de la música y la melodía más allá de lirismo estándar. [ cita requerida ] También fue espiritualmente influenciado por HP Blavatsky (1831-1891), la mejor- exponente más conocido de la teosofía . La teoría teosófica postula que la creación es una progresión geométrica, a partir de un solo punto. El aspecto creativo de la forma se expresa en una serie descendente de los círculos, triángulos y cuadrados. El libro de Kandinsky De lo espiritual en arte (1910) y Punto y línea sobre el plano (1926) se hizo eco de este principio teosófico. Ilustraciones de John Varley en formas de pensamiento (1901) influyeron en él la vista. [5]

Metamorfosis [ edit ]

Wassily Kandinsky, 1908, Murnau, Dorfstrasse (Calle en Murnau, una calle del pueblo), óleo sobre cartón, montarse posteriormente en el panel de madera, 48 x 69,5 cm, la colección Merzbacher, Suiza
Vassily Kandinsky, 1911, Reiter (Lyrishes), óleo sobre lienzo, 94 x 130 cm, Museo Boijmans Van Beuningen , Rotterdam, Países Bajos
Wassily Kandinsky, 1912, Paisaje con dos álamos, 78,8 x 100,4 cm, el Instituto de Arte de Chicago

Escuela de arte, por lo general considera difícil, fue fácil para Kandinsky. Fue durante este tiempo que comenzó a surgir como un teórico del arte, así como un pintor. El número de sus cuadros existentes aumentó a principios del siglo 20, todavía queda mucho de los paisajes y pueblos que pintó, con amplios sectores de las formas de color y reconocible. En su mayor parte, sin embargo, las pinturas de Kandinsky no cuentan con ninguna figura humana, una excepción es el domingo, Old Rusia (1904), en la que Kandinsky recrea una vista muy colorido (y extravagante) de los campesinos y nobles frente a los muros de una ciudad. Couple Riding (1907) representa a un hombre a caballo, con una mujer con ternura y cuidado, ya que montar más allá de una ciudad rusa con paredes luminosas a través de un río. El caballo está en silencio, mientras que las hojas de los árboles, la ciudad y los reflejos en el río brillan con manchas de color y brillo. Este trabajo demuestra la influencia del puntillismo en el camino de la profundidad de campo se vino abajo en una superficie plana, luminiscente. Fauvismo también se puede comprobar en estas primeras obras. Los colores se utilizan para la experiencia de la materia de expreso Kandinsky, no para describir la naturaleza objetiva.

Quizás el más importante de sus pinturas de la primera década de la década de 1900 fue The Blue Rider (1903), que muestra una pequeña figura envuelta en un caballo exceso de velocidad corriendo por un prado rocoso. Capa del jinete es azul medio, lo que arroja una sombra más oscura de color azul. En primer plano están las sombras azules más amorfos, las contrapartidas de los árboles de la caída en el fondo. El jinete azul en la pintura es importante (pero no está claramente definido), y el caballo tiene un andar natural (que Kandinsky tenía que saber). Algunos historiadores de arte creen [ cita requerida ] que una segunda figura (tal vez un niño) se lleva a cabo por el piloto, aunque esto puede ser una sombra del corredor solitario. Esta disyunción intencional, lo que permite a los espectadores a participar en la creación de la obra, se convirtió en una técnica cada vez más conscientes utilizado por Kandinsky en los años siguientes, sino que culminó con las obras abstractas del periodo 1911-1914. En El Jinete Azul, Kandinsky muestra el piloto más como una serie de colores que en los detalles específicos. Esta pintura no es una excepción en este sentido en comparación con los pintores contemporáneos, sino que indica la dirección Kandinsky tomaría sólo unos pocos años más tarde.

De 1906 a 1908 Kandinsky pasó mucho tiempo viajando por Europa (fue un asociado de la Rose azul grupo simbolista de Moscú), hasta que se instaló en la pequeña bávara ciudad de Murnau . The Blue Mountain (1908-1909) fue pintado en este momento, lo que demuestra su tendencia hacia la abstracción. Una montaña de color azul está flanqueado por dos árboles grandes, uno amarillo y uno rojo. Una procesión, con tres pilotos y varios otros, atraviesa en la parte inferior. Las caras, ropa y sillas de montar de los jinetes son cada uno un solo color, y ni ellos ni las figuras caminando muestran ningún detalle real. Los planos lisos y los contornos son también indicativos de la influencia fauvista. El amplio uso del color en el Blue Mountain ilustra la inclinación de Kandinsky hacia un arte en el que el color se presenta independientemente de la forma, y la que se da cada color igual atención. La composición es más plana, el cuadro se divide en cuatro secciones: el cielo, el árbol rojo, el árbol amarillo y el azul de la montaña con los tres pilotos.

Volver a Rusia (1914-1921) [ editar ]

" El sol derrite todo Moscú a un solo punto de que, como una tuba loca, comienza todo el corazón y toda el alma vibra. Pero no, esta uniformidad de color rojo no es la más hermosa horas. Es sólo el último acorde de una sinfonía que tiene todos los colores que el cenit de la vida que, como el fortissimo de una gran orquesta, es a la vez obligado y permitido por Moscú a sonar. "
- Wassily Kandinsky [6]

De 1918 a 1921, Kandinsky trató la política cultural de Rusia y colaboró ​​en la educación artística y la reforma del museo. Pintó poco durante este período, pero dedicó su tiempo a la enseñanza artística, con un programa basado en el análisis de la forma y del color, sino que también ayudó a organizar el Instituto de Cultura Artística en Moscú. En 1916 conoció a Nina Andreievskaya, con quien se casó al año siguiente. Su, vista expresionista espiritual del arte fue finalmente rechazada por los miembros radicales del Instituto como demasiado individualista y burguesa. En 1921, Kandinsky fue invitado a ir a Alemania para asistir a la Bauhaus de Weimar por su fundador, el arquitecto Walter Gropius .

La Bauhaus (1922-1933) [ editar ]

La pintura abstracta, con muchos puntos de colores
En Blanco II (1923)

Kandinsky enseñó la clase de diseño básico para los principiantes y el curso de teoría avanzada de la Bauhaus , sino que también llevó a cabo clases de pintura y un taller en el que aumentó su teoría del color con los nuevos elementos de la psicología de la forma. El desarrollo de sus trabajos de estudio las formas, sobre todo en los puntos y formas de línea, dio lugar a la publicación de su segundo libro teórico (Punto y línea sobre el plano) en 1926. Elementos geométricos adquirieron cada vez más importancia, tanto en su enseñanza y la pintura, sobre todo el círculo, medio círculo, el ángulo, las líneas rectas y curvas. Este período fue intensamente productiva. Esta libertad se caracteriza en sus obras por el tratamiento de los planos ricos en colores y gradaciones, como en amarillo - rojo - azul (1925), donde Kandinsky ilustra su distancia desde el constructivismo y suprematism movimientos influyentes de la época.

Los dos metros de ancho amarillo - rojo - azul (1925) se compone de varias formas principales: un rectángulo amarillo vertical, una cruz roja inclinada y un gran círculo de color azul oscuro, una multitud de líneas rectas negro (o sinuosa), arcos circulares, círculos monocromáticos y dispersos, tableros de ajedrez de colores contribuyen a su delicada complejidad. Este simple identificación visual de las formas y las principales masas de colores presentes en el lienzo es sólo un primer acercamiento a la realidad interna de la obra, cuyo reconocimiento exige la observación más profunda, no sólo de formas y colores que intervienen en la pintura, pero su relación, su absoluta y las posiciones relativas en el lienzo y su armonía.

Kandinsky fue uno de Die Blaue Vier (cuatro azules), formada en 1923 con Klee , Feininger y von Jawlensky , que dio una conferencia y presentó en los Estados Unidos en 1924. Debido a la hostilidad de la derecha, dejó la Bauhaus de Weimar y se estableció en Dessau en 1925. Después de una campaña de desprestigio Nazi de la Bauhaus Dessau izquierda en 1932 para Berlín , hasta su disolución en julio de 1933. Kandinsky y luego salió de Alemania y se estableció en París .

La Gran Síntesis (1934-1944) [ editar ]

Rectangular de la pintura abstracta, multicolor sobre fondo negro
Composición X (1939)

Vivir en un pequeño apartamento en París, Kandinsky creó su trabajo en un estudio de la sala de estar. Biomorphic formas con contornos suaves, no geométricos aparecen en sus cuadros de formas que sugieren organismos microscópicos, pero expresan la vida interior del artista. Kandinsky utiliza composiciones de color originales, que evoca el arte popular eslavo. También en ocasiones se mezcla la arena con la pintura para dar un granulado, textura rústica a sus pinturas.

Este período corresponde a una síntesis de la labor anterior de Kandinsky en la que se utiliza todos los elementos, enriqueciéndolas. En 1936 y 1939 realizó sus dos últimos grandes composiciones, el tipo de telas elaboradas no se había producido desde hace muchos años. Composición IX ha altamente contrastado, diagonales poderosos cuya forma el centro da la impresión de un embrión en el útero. Pequeños cuadrados de colores y bandas de colores destacan sobre el fondo negro de Composición X como fragmentos de estrellas (o filamentos ), mientras enigmáticos jeroglíficos con tonos pastel cubren una gran masa marrón que parece flotar en la esquina superior izquierda del lienzo. En la obra de Kandinsky algunas características son evidentes, mientras que algunos detalles son más discreto y velado, sino que se revelan sólo progresivamente a los que profundizar en su relación con su trabajo [ cita requerida ]. Tenía la intención de sus formas (que sutilmente armonizado y colocado) para resonar con el alma del observador.

Concepción de Kandinsky de arte [ edit ]

El artista como profeta [ edit ]

Grande, pintura abstracta de colores
Composición VII -según Kandinsky, la pieza más compleja que jamás pintado (1913)

Escrito que "la música es el último maestro", Kandinsky se embarcó en las primeras siete de sus diez composiciones. Los tres primeros sobreviven sólo en fotografías negro y blanco tomadas por su colega y amigo Gabriele Münter . Si bien los estudios, bocetos y las improvisaciones existen (sobre todo de la Composición II), una redada nazi en la Bauhaus en la década de 1930 dio lugar a la confiscación de los primeros tres composiciones de Kandinsky. Ellos fueron exhibidos en la exposición patrocinada por el Estado " Arte Degenerado ", y luego destruido (junto con obras de Paul Klee , Franz Marc y otros artistas modernos).

Bajo la influencia de la teosofía y la percepción de una futura nueva era, un tema común entre los primeros siete composiciones de Kandinsky es el apocalipsis (el fin del mundo tal como lo conocemos). Redacción del "artista como profeta" en su libro De lo espiritual en el arte, Kandinsky creó pinturas en los años inmediatamente anteriores a la Primera Guerra Mundial que muestra un cataclismo que viene lo que alteraría la realidad individual y social. Levanté una cristiana ortodoxa , Kandinsky se basó en las historias judías y cristianas de El Arca de Noé , Jonás y la ballena, de Cristo la resurrección , los cuatro jinetes del Apocalipsis en el libro de Apocalipsis , cuentos populares rusos y las experiencias mitológicos comunes de muerte y renacimiento. Nunca intentar imaginar cualquiera de estas historias como una narrativa, utilizó sus imágenes con velo como símbolo de los arquetipos de la muerte-renacimiento y la destrucción-creación que él sentía era inminente en el pre- Primera Guerra Mundial mundo.

Como él mismo dijo en lo espiritual en el arte (ver más abajo), Kandinsky consideraba que un auténtico artista de la creación de arte de "una necesidad interna" habita en la punta de una pirámide de movimiento ascendente. Esta pirámide progresiva está penetrando y proceder en el futuro. Lo que era extraño o inconcebible hoy es común hoy en día, lo que es de vanguardia de hoy (y entendido sólo por los pocos) se mañana conocimiento común. El artista-profeta moderno está solo en la cúspide de la pirámide, haciendo nuevos descubrimientos y marcando el comienzo de la realidad de mañana. Kandinsky estaba al tanto de los últimos avances científicos y los avances de los artistas modernos que habían contribuido a radicalmente nuevas formas de ver y vivir el mundo.

Composición IV y pinturas posteriores se refieren a evocar una resonancia espiritual en el espectador y el artista principalmente. Al igual que en su pintura del Apocalipsis por el agua (Composición VI), Kandinsky pone al espectador en la situación de experimentar estos mitos épicos, traduciéndolas en términos contemporáneos (con un sentido de desesperación, ráfaga, la urgencia y la confusión). Esta comunión espiritual de viewer-painting-artist/prophet puede describirse dentro de los límites de las palabras y las imágenes.

Teórico artística y espiritual [ edit ]

Rectangular, pintura abstracta multicolor
Composición VI (1913)

Como Der Blaue Reiter Almanac ensayos y teorización con el compositor Arnold Schoenberg indican, Kandinsky expresó también la comunión entre el artista y el espectador como puestas a disposición tanto de los sentidos y la mente ( sinestesia ). Tonos y acordes mientras pintaba Audiencia, Kandinsky teoriza que (por ejemplo), el amarillo es el color del medio C en una trompeta de latón, el negro es el color del cierre, y el fin de las cosas, y que las combinaciones de colores producen frecuencias vibratorias, similar a los acordes tocados en el piano. Kandinsky también desarrolló una teoría de las figuras geométricas y sus relaciones, alegando, por ejemplo, que el círculo es la forma más pacífica y representa el alma humana. Estas teorías se explican en Punto y línea sobre el plano (ver abajo).

Durante los estudios de Kandinsky hizo en preparación para la Composición IV, que se agotó mientras se trabaja en una pintura y se fue a dar un paseo. Mientras él estaba fuera, Gabriele Münter arregló su estudio y sin querer le dio la lona en su lado. Al regresar y ver el lienzo (pero aún no reconocerlo) Kandinsky cayó de rodillas y lloró, diciendo que era la pintura más bella que había visto nunca. Había sido liberado del apego a un objeto. Como la primera vez que vieron el Monet Haystacks , la experiencia que cambiaría su vida. [ cita requerida ]

En otro episodio con Münter durante los bávaros abstractos expresionistas años, Kandinsky estaba trabajando en su Composición VI. De casi seis meses de estudio y preparación, se había propuesto la obra para evocar una inundación, el bautismo, la destrucción y el renacimiento simultáneamente. Después de describir el trabajo de un panel de madera de tamaño mural, que se bloqueó y no pudo continuar. Münter le dijo que él estaba atrapado en su intelecto y no alcanzar el verdadero sujeto de la imagen. Ella le sugirió que sólo hay que repetir la palabra uberflut ("diluvio" o "inundación") y se centran en su sonido y no su significado. Repitiendo esta palabra como un mantra, Kandinsky pintó y completó la obra monumental en un lapso de tres días. [ cita requerida ]

Escritos teóricos sobre arte [ edit ]

Análisis de Kandinsky sobre las formas y los colores no se derivan, idea-asociaciones arbitrarias simples, sino de la experiencia interna del pintor. Pasó años creando abstractas pinturas, sensoriales ricos, trabajando con formas y colores, sin descanso observando sus propios cuadros y los de otros artistas, teniendo en cuenta sus efectos en el sentido del color. Esta experiencia subjetiva es algo que cualquiera puede hacer observaciones-no científicas, objetivas, sino las subjetivas internas, lo que el filósofo francés Michel Henry llama "subjetividad absoluta" o la "absoluta la vida fenomenológica ".

De lo espiritual en el arte [ editar ]

Wassily Kandinsky, 1912, Improvisación 27, Garden of Love II, expuesto en el 1913 Armory Show , New York

Publicado en 1911, el libro de Kandinsky compara el espiritual, la vida de la humanidad a una pirámide , el artista tiene la misión de llevar a otros a la cima con su trabajo. La punta de la pirámide es esos pocos, grandes artistas. Es una pirámide espiritual, avanzar y ascender lentamente, aunque a veces parece inmóvil. Durante los períodos de decadencia, el alma se hunde hasta el fondo de la pirámide, la humanidad sólo busca el éxito externo, haciendo caso omiso de las fuerzas espirituales.

Los colores en la paleta del pintor evoca un doble efecto: un efecto puramente físico en el ojo que está encantado por la belleza de los colores, similar a la impresión de alegría cuando se come un manjar. Este efecto puede ser mucho más profundo, sin embargo, que causa una vibración del alma o una "resonancia interior"-un efecto espiritual en el que el color afecta la propia alma.

"Necesidad interior" es, por Kandinsky, el principio del arte y la fundación de las formas y la armonía de los colores. Él lo define como el principio de contacto eficaz de la forma con el alma humana. Cada forma es la delimitación de una superficie por otro, sino que posee un contenido interno, el efecto que produce en quien lo mira con atención. Esta necesidad interior es el derecho de los artistas a la libertad ilimitada, pero esta libertad se convierte en licencia si no se funda en la necesidad. Arte nace de la necesidad interior del artista de una manera enigmática, místico a través del cual se adquiere una vida autónoma, se convierte en una asignatura independiente, animado por un soplo espiritual.

Las propiedades obvias que podemos ver cuando miramos a un aislado de color y se deja actuar solo, por un lado es la calidez o frialdad del tono de color, y por otro lado es la claridad u oscuridad de ese tono. El calor es una tendencia hacia el amarillo, y la frialdad de una tendencia hacia el azul, amarillo y azul forma el primer gran, contraste dinámico. Amarillo tiene un movimiento excéntrico y azul de un movimiento concéntrico, una superficie amarilla parece moverse más cerca de nosotros, mientras que una superficie azul parece alejarse. El amarillo es un color típicamente terrestre, cuya violencia puede ser doloroso y agresivo. El azul es un color celeste, que evoca una profunda calma. La combinación de rendimiento de color azul y amarillo totalizan inmovilidad y tranquilo, que es de color verde.

La claridad es una tendencia hacia el blanco, y la oscuridad es una tendencia hacia el negro. Blanco y negro forma el segundo gran cambio, que es estático. El blanco es un profundo, un silencio absoluto, lleno de posibilidades. Negro es la nada y sin posibilidad, un silencio eterno, sin esperanza, y se corresponde con la muerte. Cualquier otro color resuena con fuerza en sus vecinos. La mezcla de blanco con negro a gris, que no posee la fuerza activa y cuya tonalidad es cercana a la de verde. Gray corresponde a la inmovilidad y sin esperanza, sino que tiende a la desesperación cuando se pone oscuro, recuperando poco de esperanza cuando se ilumina.

El rojo es un color cálido, alegre y agitada, es contundente, un movimiento en sí mismo. Mezclado con negro se vuelve marrón, un color fuerte. Mezclado con amarillo, gana en calidez y se vuelve naranja, que imparte un movimiento de irradiación en sus alrededores. Al rojo se mezcla con el azul se aleja del hombre para convertirse en púrpura, que es un rojo fresco. Rojo y verde forman el tercer gran cambio, y naranja y púrpura del cuarto.

Punto y línea sobre el plano [ edit ]

Puntos, 1920, 110,3 x 91,8 cm, Museo de Arte Ohara

En sus escritos, Kandinsky se analizaron los elementos geométricos que componen cada cuadro, el punto y la línea. Pidió el apoyo físico y la superficie del material en el que el artista dibuja o pinta el plano básico, o BP. Él no analizó de forma objetiva, pero desde el punto de vista de su efecto en el interior observador.

Un punto es un pequeño toque de color formulada por el artista en el lienzo. No es ni un punto geométrico ni una abstracción matemática, sino que es la extensión, forma y color. Esta forma puede ser un cuadrado, un triángulo, un círculo, una estrella o algo más complejo. El punto es la forma más concisa, pero, de acuerdo a su colocación en el avión básico, que tomará una tonalidad diferente. Se puede aislar o resuenan con otros puntos o líneas.

Una línea es el producto de una fuerza que se ha aplicado en una dirección dada: la fuerza ejercida sobre el lápiz o pincel por el artista. Las formas lineales producidos pueden ser de varios tipos: una línea recta, que resulta de una fuerza única aplicado en una sola dirección; una línea angular, que resulta de la alternancia de dos fuerzas en diferentes direcciones, o una curva (o similar a ondas) línea, producido por el efecto de dos fuerzas que actúan simultáneamente. Un avión se puede obtener por condensación (desde una línea de girar alrededor de uno de sus extremos).

El efecto subjetivo producido por una línea depende de su orientación: una línea horizontal corresponde con el suelo en el que el hombre se apoya y se mueve, sino que posee una tonalidad afectiva oscura y fría similar a negro o azul. Una línea vertical corresponde con la altura, y no ofrece ninguna ayuda, sino que posee una luminosa, la tonalidad cálida cerca de blanco y amarillo. Una diagonal posee una tonalidad más o menos caliente (o frío), de acuerdo con su inclinación hacia la horizontal o la vertical.

Una fuerza que se despliega, sin obstáculos, como la que produce una línea recta que se corresponde con el lirismo, varias fuerzas que se enfrentan (o molestar) entre sí forman un drama. El ángulo formado por la línea angular también tiene una sonoridad interior que es cálido y cercano a amarillo para un ángulo agudo (un triángulo), el frío y similar a la azul para un ángulo obtuso (un círculo), y similar a la red de un ángulo recto (una plaza).

El plano básico es, en general, rectangular o cuadrada. Por lo tanto, se compone de líneas horizontales y verticales que delimitan y definen como una entidad autónoma que soporta la pintura, comunicando su tonalidad afectiva. Esta tonalidad se determina por la importancia relativa de las líneas horizontales y verticales: las horizontales que dan una calma, tonalidad fría al plano de base, mientras que las verticales imparten una calma, tonalidad caliente. El artista intuye el efecto interior del formato de lienzo y dimensiones, que él elige de acuerdo a la tonalidad que quiere dar a su obra. Kandinsky considera el plano básico de un ser vivo, que el artista "fertiliza" y se siente "respiración".

Cada parte de la placa base posee una coloración afectiva, lo que influye en la tonalidad de los elementos pictóricos que redactará en él, y contribuye a la riqueza de la composición resultante de la yuxtaposición en el lienzo. Lo anterior del plano básico se corresponde con soltura y ligereza, mientras que la continuación evoca la condensación y pesadez. El trabajo del pintor es escuchar y conocer a estos efectos para producir pinturas que no son simplemente el efecto de un proceso al azar, sino el fruto del trabajo auténtico y el resultado de un esfuerzo hacia la belleza interior.

Citas [ editar ]

  • "El 'Pioneer' [Kandinsky] no sólo producir una obra cuya sensual magnificencia y rica Eclipse inventiva hasta el más notable de sus contemporáneos. También proporcionó una teoría explícita de la pintura abstracta, la exposición de sus principios con la mayor precisión y claridad . Así, la obra pintada se acompaña de un conjunto de textos que, al mismo tiempo aclarar su trabajo y hacer Kandinsky uno de los principales teóricos del arte. Hacer frente a los jeroglíficos de los últimos lienzos de la época parisina (que se dice que es el más difícil), que proporcionan la piedra Rosetta en el que se inscribe el significado de estas figuras misteriosas ". [7]
  • "Kandinsky estaba fascinado por la fuerza expresiva de las formas lineales. Lirismo es el pathos de una fuerza cuyo esfuerzo triunfal entra en acción y se encuentra con ningún obstáculo. Debido a que los resultados de la línea recta de la iniciativa de una sola fuerza sin oposición, su dominio es el de la letra. Cuando dos fuerzas están presentes y por lo tanto entran en conflicto, ya que este es el caso de la curva o la línea en zigzag, que están en el dominio de drama ". [8]
  • "Kandinsky llama abstracta el contenido que la pintura debe expresar, es decir esta vida invisible que nos encontramos en tal forma que la ecuación Kandinskian, a la que hemos aludido, se puede escribir en la realidad de la siguiente manera:. Interior = interioridad = invisible = Vida = pathos = abstracto ". [9]
  • "Al igual que el clímax final de una orquesta gigante, Moscú resuena victorioso". [10]

Mercado del arte [ edit ]

En 2012, Christie ha subastado de Kandinsky Studie für Improvisación 8 (Estudio para la improvisación 8), a fin de 1909 un hombre blandiendo una espada en una aldea de arco iris de tonos, por $ 23 millones. El cuadro había sido prestado al Kunstmuseum Winterthur , Suiza, desde 1960 y fue vendido a un coleccionista europeo por la Fundación Volkart, el brazo caritativo de las mercancías suizos comerciales firmes Volkart Brothers. Antes de esta venta, último disco de la artista se estableció en 1990 cuando Sotheby vendió su fuga (1914) de 20.900.000 dólares. [11]

Véase también [ editar ]

Referencias [ editar ]

Nota: Varias secciones de este artículo se han traducido de su versión francesa: escritos teóricos sobre arte, La Bauhaus y los grandes períodos artísticos de síntesis. Para completar las referencias detalladas en francés, ver la versión original en http://fr.wikipedia.org/wiki/Vassily_Kandinsky

Notas [ editar ]

  1. ^ http://kirjasto.sci.fi/kandinsk.htm
  2. ^ [1]
  3. ^ Kandinsky, Wassily (1911). De lo espiritual en el arte . traducido por Michael TH Sadler (2004). Kessinger Publishing. p. 32. ISBN 9781419113772 . Consultado el 26 de diciembre de 2012.  
  4. ^ Lindsay, Kenneth C. (1982) Kandinsky:. Escritos completos sobre arte. GK Hall & Co. p. 363.  
  5. ^ Sixten Ringbom, El cosmos que suena, un estudio en el espiritualismo de Kandinsky y de la génesis de la pintura abstracta, (Abo [Finlandia]: Abo Akademi, 1970), páginas 89 y 148a.
  6. ^ Kandinsky, por Hajo Düchting, Taschen, 2007, página 7
  7. ^ Michel Henry , Ver lo invisible, de Kandinsky, p. 2
  8. ^ Michel Henry, Ver lo invisible, de Kandinsky, p. 52
  9. ^ Michel Henry, Ver lo invisible, de Kandinsky, p. 11
  10. ^ Wassily Kandinsky en la puesta de sol de Moscú, De lo espiritual en el arte, p. 9
  11. ^ Kelly Crow (7 de noviembre de 2012), de Christie Sells Monet por $ 43,8 millones Wall Street Journal .

Libros de Kandinsky [ edit ]

  • Wassily Kandinsky, MT Sadler (Traductor), Adrian Glew (Editor). De lo espiritual en el arte. (New York: Publicaciones del AMF y Londres: Tate Publishing, 2001). 192pp. ISBN 0-87846-702-5
  • Wassily Kandinsky, M. T Sadler (Traductor). De lo espiritual en el arte. Dover Publ. (Paperback). 80 pp ISBN 0-486-23411-8 . o: Lightning Source Inc Publ. (Paperback). ISBN 1-4191-1377-1
  • Wassily Kandinsky. Klänge . Verlag R. Piper & Co., Munich
  • Wassily Kandinsky. Punto y línea sobre el plano. Dover Publications, Nueva York. ISBN 0-486-23808-3
  • Wassily Kandinsky. Kandinsky, Escritos completos sobre arte. Da Capo Press. ISBN 0-306-80570-7

Referencias en Inglés [ edit ]

  • John E Bowlt y Rose-Carol Washton largo de la vida de Vasili Kandinsky en el arte ruso:. Un estudio de "De lo espiritual en el arte" de Wassily Kandinsky. (Newtonville, MA:. Oriental Research Partners, 1984). ISBN 0-89250-131-6
  • Magdalena Dabrowski. Composiciones Kandinsky. (New York: Museum of Modern Art, 2002). ISBN 0-87070-405-2
  • . Hajo Düchting Wassily Kandinsky 1866-1944: Una revolución en la pintura. (Taschen, 2000). ISBN 3-8228-5982-6
  • Hajo Düchting y O'Neill. The Avant-Garde en Rusia.
  • Will Grohmann. Wassily Kandinsky. Vida y obra. (Nueva York: Harry N. Abrams Inc., 1958).
  • Thomas M. Messer. Vasily Kandinsky. (Nueva York: Harry N Abrams Inc, 1997). (Illustrated). ISBN 0-8109-1228-7 .
  • Margarita Tupitsyn, Contra Kandinsky (Munich: Museo Villa Stuck, 2006).
  • Michel Henry : Viendo lo Invisible. En Kandinsky (Continuum, 2009). ISBN 1-84706-447-7
  • Julian Lloyd Webber, "El ver rojo, azul de mirada, sintiendo verde" , Daily Telegraph, 06 de julio 2006.
  • Sabine Flach, "A través de la Gass Buscando", en: Birdhouse Intelectual (Londres: Koenig Books, 2012). ISBN 978-3-86335-118-2

Referencias en Francés [ edit ]

Enlaces externos [ editar ]

Escrito por Kandinsky
Las pinturas de Kandinsky