Claroscuro

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Giovanni Baglione . sagrado y amor profano. 1602-1603, mostrando claroscuro composición dramática

Claroscuro (ki ː ɑ ː rə.skʊroʊ,-skjʊroʊ, italiano de luz-oscuridad) en el arte es el uso de fuertes contrastes entre luces y sombras, contrastes audaces normalmente afectan a una composición de conjunto. Es también un término técnico utilizado por los artistas y los historiadores del arte para el uso de contrastes de luz para conseguir una sensación de volumen en el modelado de objetos tridimensionales, como el cuerpo humano. [1] Efectos similares en la iluminación del cine y la fotografía son también a menudo llamado claroscuro.

Otros usos especializados incluyen claroscuro grabado en madera , grabados en madera de colores impresos con los diferentes bloques, cada uno con una tinta de color diferente, y el dibujo de claroscuro dibujos sobre papel de color con el dibujo en un medio oscuro y resaltado de color blanco.

Contenido

[ editar ] Historia

[ editar ] Origen del dibujo claroscuro

Claroscuro se originó durante el Renacimiento como dibujar en papel de color, donde el artista trabajó de tono base del papel hacia la luz con blanco gouache , y hacia la oscuridad con tinta, color carrocería o acuarela . [2] [3] Estos a su vez se basó en las tradiciones de iluminación manuscritos , que se remonta a finales de los manuscritos romanos imperiales en púrpura-teñido vitela . Estas obras eran llamados "dibujos claroscuro", pero son más a menudo descrito en términos modernos museo por fórmulas tales como "lápiz sobre papel preparado, realzado con color carrocería blanca". [4] Los grabados en madera Claroscuro comenzaron como imitaciones de esta técnica. [5 ] Cuando se habla de arte italiano, el término se utiliza a veces para significar imágenes pintadas en colores monocromáticos o dos, más generalmente conocidos en Inglés por el equivalente francés, grisalla . El término temprano ampliado en el sentido de cubrir todos los fuertes contrastes de iluminación entre las zonas claras y oscuras de arte, que ahora es el significado primario.

[ edit ] Chiaroscuro modelado

" La Fornarina ", de Rafael , muestra claroscuro delicado modelado en el cuerpo de la modelo, por ejemplo, en el hombro, el pecho y el brazo de la derecha.

El uso más técnico del término claroscuro es el efecto de luz de modelado en pintura , dibujo o grabado , donde se sugiere tridimensional volumen por el valor gradación del color y la división analítica de la luz y las formas de sombra - a menudo llamada " sombreado ". La invención de estos efectos en el Oeste ", skiagraphia" o "shadow-pintura" para los antiguos griegos, fue tradicionalmente atribuida al célebre pintor ateniense del siglo quinto antes de Cristo, Apolodoro . Aunque prácticamente ninguna pintura griega antigua sobrevive, su comprensión del efecto de la luz de modelado se puede todavía ver en el último 4to siglo BC mosaicos de Pella , Macedonia, en particular la caza del ciervo, en la Casa del rapto de Helena, inscrito epoesen gnosis , o 'conocimiento lo hizo ".

También sobrevivió en un formato normalizado bastante crudo en el arte bizantino y se refinaron más en la Edad Media al convertirse en estándar de principios de los años del siglo XV en la pintura y la iluminación de manuscritos en Italia y Flandes, y luego se extendió a todo el arte occidental. La pintura de Rafael se ilustra, con la luz que viene de la izquierda, demuestra tanto claroscuro delicado modelado para dar volumen al cuerpo de la modelo, y también claroscuro fuerte en el sentido más común en el contraste entre el modelo bien iluminado y el fondo muy oscuro de follaje. Sin embargo, para complicar aún más las cosas, el claroscuro composición del contraste entre el modelo y el fondo probablemente no se describen utilizando este término, ya que los dos elementos están casi completamente separados. El término se utiliza generalmente para describir composiciones en las que al menos algunos elementos principales de la composición principal muestran la transición entre la luz y la oscuridad, como en el Baglioni y Geertgen tot Sint Jans pinturas ilustra arriba y abajo.

Modelado claroscuro ya se da por sentado, pero tenía algunos opositores, el Inglés retrato miniaturista Nicholas Hilliard advirtió en su tratado sobre la pintura contra todos, pero el uso mínimo que vemos en sus obras, lo que refleja los puntos de vista de su patrona la Reina Elizabeth I de Inglaterra : " viendo lo mejor que uno mismo tiene necesidad de mostrar ninguna sombra de lugar, sino a plena luz ... Su Majestad .. eligió su lugar para sentarse a tal efecto en el callejón abierto de un jardín hermoso, donde ningún árbol estaba cerca, ni ninguna sombra en todos ... " [6]

En los dibujos y grabados para incubar o sombreado de líneas paralelas, a menudo se utiliza para lograr modelado claroscuro. Lava, punteado efectos o punteado, y "tono superficial" en el grabado son otras técnicas.

[ edit ] Chiaroscuro xilografías

Claroscuro grabado en madera de la Virgen con el Niño de Bartolommeo Coriolano , creado entre 1630 y 1655 (restaurada digitalmente)

Claroscuro grabados en madera son grabados antiguos maestros en xilografía utilizando dos o más bloques impresos en diferentes colores, que no necesariamente cuentan con fuertes contrastes de luz y oscuridad. De acuerdo con una definición del término, que se inventaron por primera vez por Lucas Cranach en Alemania en 1507, y por primera vez en Italia por Ugo da Carpi antes de 1516. [7] Otros grabadores de utilizar la técnica incluyen Cranach , Wechtlin Hans , Hans Baldung Grien y Parmigianino . En Alemania, la técnica alcanzó su punto máximo alrededor de 1520, pero se utilizó en Italia durante el siglo XVI. Más tarde artistas como Goltzius veces se hace uso de ella. En algunos alemanes de dos bloques grabados, el keyblock (o "bloque de línea") se imprime en negro y el bloque de tono o bloques tenían áreas planas de color. En Italia, xilografías claroscuro fueron producidos sin keyblocks para lograr un efecto muy diferente. Se parecían al estilo de los dibujos de lavado también conocido como claroscuro. [8]

[ editar ] composicional claroscuro de Caravaggio

Natividad en la noche por Geertgen tot Sint Jans , c. 1490, después de una composición de Hugo van der Goes de c. 1470. Las fuentes de luz son el Niño Jesús, el fuego de los pastores en la colina detrás, y el ángel que se les presenta.

Manuscrito iluminación era, como en muchas áreas, especialmente en el intento experimental ambiciosos efectos de iluminación, ya que los resultados no eran para su exhibición pública. El desarrollo de la composición claroscuro recibido un impulso considerable en el norte de Europa a partir de la visión de la Natividad de Jesús de Santa Brígida de Suecia , un místico muy popular. Ella describió al niño Jesús como la luz que emite el mismo; representaciones cada vez más reducido de otras fuentes de luz en la escena para enfatizar este efecto, y la Natividad se mantuvo muy comúnmente tratado con claroscuro hasta el barroco. Hugo van der Goes y sus seguidores pintó muchas escenas iluminado sólo por la vela o la luz divina del Cristo recién nacido. Al igual que con algunos pintores posteriores, en sus manos, el efecto fue de quietud y calma en lugar del teatro del Barroco.

Fuerte claroscuro se convirtió en un efecto popular durante el siglo XVI, en el manierismo y barroco arte. La luz divina continuó para iluminar, a menudo bastante inadecuada, las composiciones de Tintoretto , Veronese y sus muchos seguidores. Sujetos oscuros dramáticamente iluminados por un rayo de luz procedente de una sola fuente y no se ve constreñido a menudo era un recurso compositivo desarrollado por Ugo da Carpi (c. 1455-c. 1523), Giovanni Baglione (1566-1643) y Caravaggio (1573-1610) , el último de los cuales fue crucial en el desarrollo del estilo de tenebrismo , donde dramático claroscuro se convierte en un recurso estilístico dominante.

[ edit ] siglos 17 y 18

El panel central de Peter Paul Rubens 's La Elevación de la Cruz (1610-1611) es el modelo con el claroscuro dinámico.

Tenebrismo se practicaba sobre todo en España y los españoles gobernada por Reino de Nápoles , por Jusepe de Ribera y sus seguidores. Adam Elsheimer (1578-1610), artista alemán en Roma, producido varias escenas nocturnas iluminadas principalmente por el fuego, y en ocasiones luz de la luna . A diferencia de Caravaggio, sus zonas oscuras contienen detalles muy sutiles e interés. Las influencias de Caravaggio y Elsheimer fueron fuertes en Peter Paul Rubens , que explotaban a sus respectivos enfoques de tenebrosity para un efecto dramático en pinturas como La Elevación de la Cruz (1610-1611).

Un género, que se desarrolló fue la escena nocturna iluminada por luz de las velas, que volvió a los artistas a principios del norte como Geertgen tot Sint Jans y de manera más inmediata a las innovaciones de Caravaggio y Elsheimer. Este tema juega con muchos artistas de los Países Bajos en las primeras décadas del siglo 17, donde llegó a ser asociado con el caravaggistas Utrecht como Gerrit van Honthorst y Dirck van Baburen , y con pintores barrocos flamencos como Jacob Jordaens . Rembrandt ' s primeras obras de la década de 1620 adoptó también la fuente de luz de una sola vela. La luz de las velas nocturnas escena volvió a surgir en la República de Holanda en el siglo 17 a mediados de menor escala en las obras de fijnschilders como Gerrit Dou y Gottfried Schalken .

La casamentera por Gerrit van Honthorst .

Interés propio de Rembrandt en los efectos de la oscuridad se movió en sus obras de madurez. Se basó menos en los fuertes contrastes de luz y sombra que marcó las influencias italianas de la generación anterior, un factor se encuentra en sus grabados del siglo de mid-17th. En ese medio que comparte muchas similitudes con su contemporáneo en Italia, Giovanni Benedetto Castiglione , cuyo trabajo en el grabado lo llevó a inventar el monotipo .

Fuera de los Países Bajos, artistas como Georges de La Tour y Trophime Bigot en Francia y Joseph Wright of Derby , en Inglaterra, llevado a cabo con tan fuerte, pero se graduó, el ​​claroscuro de las velas. Watteau utilizó un claroscuro suave en los fondos verdes de sus galantes fêtes , y esto fue seguido en imágenes a muchos artistas franceses, en particular Fragonard . A finales del siglo Fuseli y otros utilizaron un claroscuro más pesado para el efecto romántico, al igual que Delacroix y otros en el siglo XIX.

[ editar ] Uso del término

Joseph Wright of Derby pintó varios grandes grupos con fuerte claroscuro, como el planetario

El uso francés del término, clair-obscur, fue presentado por el crítico de arte del siglo XVII- Roger de Piles en el curso de un famoso argumento (Débat sur ​​le coloris) sobre los méritos relativos del dibujo y del color en la pintura (sus Dialogues sur le coloris de 1673 [9] fue una contribución clave a la Débat). En Inglés, el término italiano se ha utilizado por lo menos desde fines del siglo 17. El término se usa con menos frecuencia de arte a partir del siglo XIX, aunque los expresionistas movimientos modernos y otros hacen un gran uso del efecto. Sobre todo porque la subida fuerte del siglo 20 en la reputación de Caravaggio, en la que no son especialistas utilizan el término se utiliza principalmente para fuertes claroscuros, como el suyo, o el de Rembrandt. A medida que la Tate dice: "El claroscuro es generalmente sólo comentó sobre cuándo es una característica particularmente importante de la obra, por lo general cuando el artista está utilizando contrastes extremos de luz y sombra". [10] La fotografía y el cine también han adoptado el término. Para la historia de este término, véase René Verbraeken, Clair obscur, histoire d'un mot (Nogent-le-Roi, 1979). [11]

Instructores clásica voz describir el equilibrio óptimo de la claridad y oscuridad en el tono de voz para el canto como claroscuro: una combinación de brillo y "ping" (brillo y resonancia) con calidez y profundidad es decir, los "oscuros" colores (natural o artificial) de la persona timbre. Esta técnica es uno de los principales arsenales de cantantes dramáticos especialmente útiles en verismo óperas por ejemplo, Tosca , Pagliacci y Cavalleria rusticana , donde puede ser utilizado con gran efecto en recitativos y pasajes declamatorio, sino que también permite que más voces líricas de sobrevivir con seguridad la cepa de lírico-spinto pan con mantequilla papeles como Mario ( Tosca ). Ejemplos famosos incluyen Zinka Milanov , Maria Callas , Leontyne Price , Anna Moffo , Carlo Bergonzi , Franco Corelli y Renata Scotto .

[ editar ] Cine y fotografía

Claroscuro también se utiliza en la cinematografía para indicar iluminación extrema de bajo perfil y alto contraste para crear áreas distintas de la luz y la oscuridad en el cine, especialmente en películas en blanco y negro. Ejemplos clásicos son El gabinete del Dr. Caligari (1920), Nosferatu (1922), El jorobado de Notre Dame (1939), El diablo y Daniel Webster (1941) y las escenas en blanco y negro de Andrei Tarkovsky 's Espía (1979) .

En la fotografía , el claroscuro se efectúa a menudo con el uso de la " iluminación de Rembrandt ". En más desarrollados los procesos fotográficos, esta técnica también puede ser llamado "ambient / iluminación natural", aunque cuando se hace así para el efecto, el aspecto es artificial y por lo general no documental en la naturaleza. En concreto, Bill Henson , junto con otros, como W. Eugene Smith , Josef Koudelka , Garry Winogrand , Wolleh Lothar , Annie Leibovitz , Floria Sigismondi y Ralph Gibson se pueden considerar algunos de los maestros modernos del claroscuro en la fotografía documental.

Fotograma de Stanley Kubrick 's Barry Lyndon , algunos de los cuales recibió un disparo apenas por velas.

Tal vez la personificación más directa de la intención del claroscuro en el cine, sin embargo, sería Stanley Kubrick 's Barry Lyndon . [12] Cuando se le informó que no hay ningún objetivo en la actualidad con una abertura lo suficientemente amplia como para disparar una serie drama de época en grandes palacios con velas sólo , Kubrick compró y se puede acondicionar una lente especial para estos fines: una cámara Mitchell BNC modificado y una lente Zeiss fabricado para soportar los rigores de la fotografía de espacio, con una apertura máxima de f/.7. Las naturalmente unaugmented situaciones de iluminación en la película ejemplifica bajo perfil, iluminación natural en filmwork en su exterior más extremo de la tradición cinematográfica de Europa del Este / soviético (en sí misma demuestra el estilo de iluminación de bajo duras clave utilizada por el cineasta soviético Sergei Eisenstein ).

Sven Nykvist , el antiguo colaborador de Ingmar Bergman , informó también gran parte de su fotografía con realismo claroscuro, así como Gregg Toland , quien influyó en cineastas como László Kovács , Vilmos Zsigmond , y Vittorio Storaro con su uso del enfoque selectivo y profundidad aumentada con horizonte fuerte nivel de iluminación clave penetrando a través de ventanas y puertas. Gran parte de la célebre película noir tradición se basa en técnicas Toland perfeccionadas en los años treinta que están relacionados con el claroscuro (aunque alto clave de iluminación, iluminación de escenarios, iluminación frontal, y otros efectos se entremezclan de manera que disminuyan la demanda claroscuro).

[ editar ] Galería

Claroscuro en el modelado, Pinturas

Claroscuro en el modelado, grabados y dibujos

Claroscuro como un elemento importante en la composición: la pintura

Claroscuro como un elemento importante en la composición: la fotografía

Claroscuro enfrenta

Claroscuro dibujos y grabados en madera

[ editar ] Véase también

[ editar ] Referencias

  1. ^ Glosario de la National Gallery de Londres [1] (consultado el 23 de octubre de 2011)
  2. ^ Harvard Art Museum glosario (consultado el 30 de agosto de 2007). Véase también el enlace externo Metropolitana
  3. ^ Ejemplo del Metropolitan [ Link muerto ]
  4. ^ Algunos ejemplos de la Tate Britain
  5. ^ David Landau y Peter Parshall, la impresión del Renacimiento, pp.180-84; Yale, 1996, ISBN 0-300-06883-2 - discute estos en longitud. También ver enlace externo Metropolitana.
  6. ^ Cita de Hilliard Art de Limming, c. 1600, Nicholas Hilliard, Roy Strong , 1975, p.24, Michael Joseph Ltd, London, ISBN 0-7181-1301-2
  7. ^ "Ugo da Carpi después de Parmigianino: Diogenes (17.50.1) | Heilbrunn Timeline de la historia del arte | El Museo Metropolitano de Arte" . Metmuseum.org. 02/03/2012. http://www.metmuseum.org/toah/hd/wdct/ho_17.50.1.htm . Consultado el 02/18/2012.
  8. ^ Para una introducción al tema, véase David Landau y Peter Parshall, la impresión del Renacimiento, pp 179-202, 273-81 y passim; Yale, 1996, ISBN 0-300-06883-2
  9. ^ Le rubenismo en Europe et aux XVIIe XVIIIe siècles, Volumen 16 de los Museos en la encrucijada, Michèle-Caroline Heck, de la Universidad de Michigan, Brepols, 2005
  10. ^ Glosario Tate . Consultado el 30 de agosto de 2007.
  11. ^ Verbraeken, René (1979). Clair-obscur, histoire d'un mot. Nogent-le-Roi:. ​​J. Laget ISBN 2-85497-021-7 .
  12. ^ "Los estudios Boletín victoriana". Northeast Victorian Studies Association, V. 9-11, 1985. 1984

[ editar ] Enlaces externos